A New Dawn

La historia se sitúa en una antigua fábrica de fuegos artificiales llamada Tatewaki Enkaten, amenazada por la decadencia económica y por un proyecto de reurbanización que exige su desalojo.

En ese contexto, Keitaro Tatewaki y su amiga de la infancia Kaoru Shikimori intentan completar un fuego artificial legendario llamado Shuhari.

El padre de Keitaro, Eitaro Tatewaki, vive obsesionado con esa creación imposible.

Mientras la situación de la familia empeora, apenas toma medidas prácticas y se entrega por completo a su búsqueda.

Convencidos de que lograr el lanzamiento de Shuhari podría cambiarlo todo, Keitaro y Kaoru intentan dispararlo por su cuenta.

El intento fracasa y, poco después, Eitaro desaparece.

Cuatro años más tarde, Kaoru vive en Tokio y estudia en una universidad de arte, donde investiga proyección visual y video mapping mientras intenta decidir su futuro.

Entonces reaparece en su vida Sentaro Tatewaki, hermano mayor de Keitaro y funcionario del ayuntamiento de su ciudad natal.

Sentaro le propone participar en un plan de revitalización local mediante proyecciones visuales.

Además, le pide que ayude a sacar a Keitaro del encierro, ya que sigue negándose a abandonar la fábrica.

Cuando Kaoru regresa, descubre que Keitaro continúa obsesionado con Shuhari.

Conmovida por su apego a la casa, al oficio familiar y al paisaje que está a punto de desaparecer, decide apoyarlo incluso cuando el desalojo forzoso ya es inminente.

Personajes y voces

Keitaro Tatewaki: interpretado por Riku Hagiwara.

Kaoru Shikimori: interpretada por Kotone Furukawa.

Sentaro Tatewaki: interpretado por Miyu Irino.

Eitaro Tatewaki: interpretado por Takashi Okabe.

Dirección y núcleo artístico

Dirección, guion, obra original y storyboard: Yoshitoshi Shinomiya.

Diseño de personajes: Utsushita y Yoshitoshi Shinomiya.

Dirección de animación: Yoshitoshi Shinomiya y Shohei Hamaguchi.

Dirección de arte: Yoshitoshi Shinomiya y Ryoko Majima.

Diseño de color: Yoshitoshi Shinomiya, Aiko Mizuno, Tomoko Saito y Nanako Okazaki.

Dirección de fotografía: Anna Tomizaki.

Montaje: Megumi Uchida.

Música: Shuta Hasunuma.

Dirección de sonido: Hirofumi Shimizu.

Productor ejecutivo: Masao Toyoshima.

Producción

Productores: Fumie Takeuchi, Emmanuel-Alain Raynal y Pierre Baussaron.

Productor de animación: Tsutomu Fujio.

Estudio de animación: Studio Outrigger.

Producción: Asmik Ace, Studio Outrigger y MIYU Production.

Origen del proyecto

La película fue el primer largometraje animado de Yoshitoshi Shinomiya, artista conocido originalmente por su trabajo en pintura japonesa.

Aunque ya había participado en piezas audiovisuales desde mediados de la década de 2010, durante años quiso encontrar una forma de unir su sensibilidad pictórica con la animación.

El proyecto nació también de una experiencia personal muy concreta.

Shinomiya contó que, hacia 2016, el paisaje frente a su taller quedó cubierto de paneles solares, y esa transformación le hizo pensar en cómo los paisajes antiguos son reemplazados por otros nuevos.

Ese impacto visual se mezcló con recuerdos de su ciudad natal y de zonas costeras rellenadas artificialmente.

A partir de ahí surgió una idea central de la película: la sustitución del mundo conocido por otro nuevo, más moderno pero también más frío y ambiguo.

En un inicio, el proyecto tenía el título de Nuevo amanecer y estaba pensado como un cortometraje.

Con el tiempo fue creciendo, cambiando de forma y acumulando motivos narrativos y simbólicos antes de encontrar su estructura definitiva.

Durante años, Shinomiya presentó la propuesta a distintos estudios y compañías sin conseguir que avanzara.

La situación cambió cuando la productora Fumie Takeuchi, de Asmik Ace, impulsó su desarrollo en serio y apostó por una obra más autoral y orientada a festivales internacionales.

Temas y guion

Uno de los grandes temas de la película es cómo una comunidad existe, cambia y a veces desaparece.

El propio Shinomiya relacionó esa idea con su biografía y con su decisión de no continuar el oficio familiar para dedicarse al arte.

Los fuegos artificiales fueron elegidos como motivo central por su carácter efímero.

También porque permitían trabajar de manera muy directa con luz, color, sonido y emoción.

El pigmento conocido como verde malaquita ocupa un lugar clave en la película.

Shinomiya explicó que conocía ese material por su uso en pintura japonesa y que, al descubrir su relación histórica con la fabricación de fuegos artificiales, decidió convertirlo en uno de los ejes simbólicos de la obra.

El final fue concebido con ecos del cine estadounidense de la nueva ola de los años sesenta y setenta.

La intención era dejar una sensación abierta, sugerente y cargada de resonancia, más que ofrecer un cierre totalmente explicado.

Estilo visual y técnicas

La película destaca por su mezcla de técnicas.

Además de animación convencional, incorpora stop motion, efectos de cámara multiplano, transparencias luminosas y procedimientos inspirados en recursos clásicos del cine animado analógico.

Shinomiya supervisó con enorme detalle prácticamente todas las fases visuales.

Revisó personalmente el color de cerca de mil planos para evitar que la imagen se ajustara demasiado a los estándares digitales habituales de la industria.

Para aprovechar ese método de trabajo tan particular, el estudio organizó una línea de producción específica para la película.

Un pequeño núcleo creativo trabajó junto al director, revisando materiales enviados por colaboradores y empresas externas.

Dos figuras fueron especialmente importantes en ese proceso: el director de animación Shohei Hamaguchi y la directora de arte Ryoko Majima.

Ambos ayudaron a concretar el equilibrio entre lo orgánico, lo arquitectónico y lo emocional que define el aspecto de la película.

Las secuencias especiales con cámara multiplano y materiales físicos fueron realizadas por SUKIMAKI ANIMATION.

El equipo recreó efectos como el uso de cristal ondulado para simular agua o vibración térmica, buscando una intensidad visual que Shinomiya consideraba más poderosa en analógico que en digital.

La parte en stop motion de la escena de embriaguez de Sentaro fue producida por MIYU Production.

La dirigió Victor Haegelin, en una colaboración internacional que el director describió como difícil pero muy estimulante.

Además, parte del clímax visual de los fuegos artificiales nació de un taller impartido por Shinomiya en un festival de animación en Hiroshima.

Los participantes perforaron papel negro y pintaron explosiones con gouache rojo; esos materiales, al invertirse y procesarse, generaron azules imposibles de reproducir de manera totalmente artificial.

Selección de intérpretes

Los protagonistas fueron interpretados por Riku Hagiwara y Kotone Furukawa, ambos debutantes en papeles de voz para animación.

Shinomiya buscaba voces capaces de llegar lejos, pero también de sonar íntimas, como si hablaran directamente al espectador.

El proceso no fue sencillo.

Los actores comentaron que tuvieron que adaptarse al sincronismo labial, al ritmo rígido del doblaje y a un formato de guion muy distinto del trabajo en imagen real.

Inicialmente se pensó terminar la grabación en un solo día.

Sin embargo, aquella primera jornada se empleó sobre todo como entrenamiento, y la grabación final se realizó después.

Hagiwara señaló que se sintió cercano a la juventud impulsiva y contradictoria de Keitaro.

Aun así, encontró especialmente difícil expresar su paso de la adolescencia a la adultez mediante la voz.

Furukawa, por su parte, destacó la complejidad interior de Kaoru.

La interpretó intentando no recargarla, para mantener una naturalidad acorde con sus dudas y vacilaciones.

El doblaje se realizó en una fase temprana de la producción, cuando gran parte del metraje aún estaba en animación preliminar.

Eso permitió ajustar la densidad y el acabado visual en función de las interpretaciones.

Banda sonora y canción principal

La música original fue compuesta por Shuta Hasunuma.

Su trabajo acompaña la película con una sonoridad contemporánea y envolvente.

La canción principal es Aoba, escrita y compuesta por imase y arreglada por Hasunuma.

El equipo quería que el cierre musical estuviera ligado a una sensibilidad generacional cercana a la de los personajes.

Según la producción, imase fue elegido precisamente por esa afinidad.

El cantante explicó que la canción surgió de pensar en los sentimientos que muchas personas dejan atrás al crecer, y en el deseo de recibir a una nueva versión de uno mismo sin borrar por completo la juventud.

Durante el estreno de la película, imase se encontraba en pausa profesional.

La canción, sin embargo, había sido creada antes de ese paréntesis.

El álbum de la banda sonora se publicó el 4 de marzo de 2026.

Incluye la música de Hasunuma y una versión de la canción principal usada en la película.

Lanzamiento

En abril de 2024 se anunció que la obra, todavía en desarrollo, participaría en un programa de presentación de proyectos en el mercado cinematográfico de Cannes.

En ese momento se informó de una salida prevista para 2025 en Japón.

El 15 de enero de 2025 se revelaron el avance, la imagen promocional, el título definitivo y el reparto principal.

Aun así, en mayo de ese mismo año se comunicó oficialmente que el estreno se retrasaba hasta 2026.

El 10 de octubre de 2025 se publicó un nuevo avance y se fijó la fecha definitiva: 6 de marzo de 2026.

Poco después, el 18 de febrero de 2026, la película tuvo su estreno mundial en el Festival Internacional de Cine de Berlín, dentro de la competición oficial.

Con motivo del lanzamiento también se celebró en Shibuya PARCO una exposición dedicada a la película y a la obra pictórica de Shinomiya.

El estreno comercial en Japón se realizó en 106 salas.

Valoración general

La crítica destacó sobre todo la fuerza visual de la película.

Sus colores, su textura manual y su mezcla de técnicas fueron señalados como su aspecto más sobresaliente.

El crítico de animación Ryota Fujitsu escribió que la película trabaja con un tiempo y un espacio muy pequeños —apenas un día y una casa en la montaña—, pero consigue abrir dentro de ellos una escala casi cósmica.

Según su lectura, el drama íntimo de Keitaro se convierte en la base de una obra atravesada por siglos de memoria, paisaje y transformación.

El crítico de cine Shohei Chujo valoró de forma positiva su tratamiento de temas como la recuperación de tierras al mar y la expansión de la energía solar a gran escala.

También elogió la ruptura visual con la animación más convencional y la definió como una obra que sugiere una nueva corriente creativa en el anime posterior a figuras ya consagradas.

Para Chujo, el intento de Keitaro y Kaoru de cambiar la realidad mediante Shuhari representa una especie de revolución estética.

Es, en su lectura, un gesto de belleza que desafía por un instante un presente dominado por la utilidad y el bloqueo.

La crítica Leslie Felperin, de *The Hollywood Reporter*, consideró que el guion no alcanzaba del todo la intensidad emocional de algunas grandes referencias del cine de animación japonés.

Aun así, elogió el carácter onírico y singular de sus imágenes, así como el impacto sensorial de su música.

Reseñas breves

En reseñas de prensa especializadas, varios comentaristas coincidieron en la admiración por su aspecto audiovisual.

Algunos, no obstante, mostraron más reservas respecto a la historia.

La escritora Kurei elogió con entusiasmo la belleza cromática y sonora de la película.

A la vez, consideró que la trama resultaba algo familiar, y le otorgó una valoración alta.

El crítico Naoto Mori también valoró muy positivamente la imagen.

Interpretó la búsqueda de Shuhari como una expresión de la fe del artista en que el arte aún puede transformar el mundo.

Por su parte, Hiroaki Saito apreció la composición visual y el uso de la cámara.

Sin embargo, sintió que la historia era demasiado compacta y sobria como para involucrarlo emocionalmente por completo.

Novela

El 28 de diciembre de 2025 se publicó una novelización escrita por Minami Aoyama.

La edición apareció bajo el título El día en que amanece el verde malaquita: los fuegos artificiales ilusorios en los que creí y dos días milagrosos contigo.

Sitio web oficial de la película.

Cuenta oficial de la película en la red social X.