A New Dawn

Il titolo originale internazionale è A New Dawn, mentre il titolo con cui è stato distribuito in Giappone corrisponde a Il giorno in cui si schiude il verderame.

La durata è di 76 minuti e la distribuzione è stata curata da Asmik Ace.

Il film è una coproduzione tra Giappone e Francia.

Alla produzione hanno partecipato Asmik Ace, Studio Outrigger e MIYU Production.

La musica è composta da Shuta Hasunuma.

Il produttore esecutivo è Masao Toyoshima.

Tra i doppiatori principali figurano Riku Hagiwara, Kotone Furukawa, Miyu Irino e Takashi Okabe.

L’opera è stata presentata in concorso alla 76ª Berlinale.

La storica fabbrica di fuochi d’artificio Tatewaki Fireworks sta vivendo una crisi profonda.

Il festival locale non si tiene più e la riqualificazione urbana impone all’azienda di sgomberare.

Il proprietario, Eitaro Tatewaki, invece di affrontare concretamente il problema, si ossessiona con la creazione di un fuoco d’artificio leggendario chiamato Shuhari.

Suo figlio minore Keitaro Tatewaki e l’amica d’infanzia Kaoru Shikimori credono che completarlo possa salvare tutto.

I due tentano di lanciare di nascosto il prototipo di Shuhari.

L’esperimento però fallisce, e poco dopo Eitaro scompare.

Quattro anni più tardi Kaoru vive a Tokyo e studia in un’università d’arte.

Sta lavorando su progetti di projection mapping, mentre cerca ancora di capire che direzione dare alla propria vita.

Un giorno la raggiunge Sentaro Tatewaki, fratello maggiore di Keitaro e impiegato comunale.

Le propone di collaborare a un piano di rilancio della città e le chiede anche di aiutare Keitaro, che si è chiuso nella fabbrica e continua a inseguire il sogno di Shuhari.

Quando Kaoru rivede Keitaro, scopre che lui non ha mai smesso davvero di combattere.

Di fronte all’imminente sfratto forzato, i due decidono di muoversi ancora una volta verso il lancio del fuoco d’artificio impossibile.

Personaggi principali

Keitaro Tatewaki è il protagonista.

È un giovane inquieto, testardo e pieno di energia negativa, ma anche capace di una dedizione quasi feroce verso la casa, la famiglia e il proprio sogno.

Kaoru Shikimori è la sua amica d’infanzia.

È sospesa tra il desiderio di costruirsi un futuro stabile e il richiamo di ciò che ha lasciato nel paese natale.

Sentaro Tatewaki è il fratello maggiore di Keitaro.

Rappresenta un atteggiamento più pratico e istituzionale, ma rimane legato al destino della famiglia.

Eitaro Tatewaki è il padre e il custode del segreto di Shuhari.

La sua figura aleggia sull’intero film come una presenza misteriosa e irrisolta.

Interpreti vocali

Riku Hagiwara dà voce a Keitaro Tatewaki.

Kotone Furukawa interpreta Kaoru Shikimori.

Miyu Irino presta la voce a Sentaro Tatewaki.

Takashi Okabe interpreta Eitaro Tatewaki.

Origine del progetto

Questo film è il primo lungometraggio animato di Yoshitoshi Shinomiya, artista noto inizialmente come pittore.

Già dal 2015 aveva iniziato a lavorare anche in ambito audiovisivo, firmando spot e altri progetti visivi.

Dopo aver collaborato nel 2016 ad alcune sequenze di ricordo del film Your Name, Shinomiya raccontò di aver sentito una distanza crescente tra il proprio lavoro di pittore e quello nel mondo dell’animazione.

Da questa tensione nacque il desiderio di creare un’opera capace di fondere davvero sensibilità pittorica e cinema animato.

Un’altra ispirazione decisiva arrivò dai cambiamenti del paesaggio successivi al terremoto del 2011.

L’artista ricordò che, intorno al 2016, il prato davanti al suo studio venne improvvisamente coperto da pannelli solari.

Viaggiando in auto con il figlio, sentì chiedere: “È il mare?”.

Quel riflesso gli fece pensare al mare della sua terra natale, un tempo interrato, e da lì prese forma l’idea di un mondo in cui i paesaggi antichi vengono sostituiti da scenari nuovi.

All’inizio il progetto aveva il titolo Nuova alba ed era pensato come un cortometraggio.

La storia sarebbe cominciata dall’arrivo di Sentaro da Kaoru.

Per anni il progetto non riuscì a decollare per problemi di finanziamento.

Nel frattempo la sceneggiatura cambiò molto e arrivò a includere motivi mitologici, come il mito della caverna celeste, e perfino una versione in cui i due protagonisti erano gemelli.

Molti di questi elementi furono poi eliminati.

Tuttavia, alcune tracce rimasero nel design dei personaggi e nella struttura finale del racconto.

Intorno al 2022 Shinomiya presentò il progetto alla produttrice Aya Takeuchi di Asmik Ace, con cui aveva già collaborato in passato.

Fu allora che la pre-produzione iniziò davvero.

In una fase intermedia il film era stato spinto verso una formula più commerciale, descritta come una storia romantica accompagnata da musica elegante.

Takeuchi decise invece di riportare il centro del progetto sulla forte identità artistica del regista e di orientarlo verso i festival internazionali.

Temi e sceneggiatura

Shinomiya ha indicato come tema centrale del film il modo in cui una comunità esiste e cambia nel tempo.

Per lui la storia conteneva anche una dimensione personale, legata al proprio distacco dall’attività familiare e alla scelta di seguire l’arte.

La produzione ha lavorato a lungo sul personaggio di Keitaro.

Il problema principale era renderlo complesso e spigoloso senza allontanare del tutto lo spettatore.

La scelta dei fuochi d’artificio come cuore del film nasce anche da un ricordo autobiografico.

Il regista raccontò infatti che il festival pirotecnico della sua città scomparve all’improvviso, quasi senza che nessuno lo difendesse davvero.

In questa sparizione vide una somiglianza con la natura effimera del fuoco d’artificio stesso.

Al tempo stesso, luce e suono offrivano un materiale perfetto per un’opera così attenta all’esperienza visiva e sensoriale.

Anche il verderame del titolo ha una storia precisa.

Quando era studente universitario, Shinomiya scoprì questo pigmento della pittura tradizionale e ne rimase colpito per la sua aura ambigua, quasi inquietante.

Durante le ricerche sul mondo dei fuochi d’artificio, sentì dire da alcuni artigiani che un tempo il verderame veniva davvero usato.

Quel collegamento tra pittura e pirotecnica gli sembrò così forte da diventare uno dei nuclei simbolici del film.

Il finale è stato concepito con uno spirito vicino al Nuovo Cinema Americano.

Il regista voleva lasciare spazio all’interpretazione e a una sensazione di eco, più che a una chiusura netta.

Uno degli aspetti più distintivi del film è il controllo artistico esercitato direttamente da Shinomiya.

Secondo il regista, una storia così insolita non poteva funzionare se la sua forma visiva non fosse stata plasmata in modo coerente da chi l’aveva immaginata.

Per questo intervenne in modo capillare su disegno, colore, finitura e ripresa compositiva.

Controllò personalmente circa un migliaio di inquadrature, cercando di evitare una resa troppo standardizzata.

La sua preoccupazione era che il colore finisse per assomigliare a quello “giusto” secondo le abitudini dell’industria.

Invece voleva un’immagine viva, irregolare, più vicina alla materia della pittura.

Per valorizzare questo metodo, Studio Outrigger organizzò una linea produttiva dedicata quasi esclusivamente al film.

Nel nucleo centrale lavoravano collaboratori vicini al regista, impegnati soprattutto a verificare e rifinire i materiali inviati dai vari studi esterni.

Tra i collaboratori chiave spiccano il supervisore dell’animazione Shohei Hamaguchi e la direttrice artistica Ryoko Majima.

Il primo fu promosso a un ruolo più importante dopo che una scena da lui animata colpì in modo particolare Shinomiya.

Majima conosceva il regista dai tempi di Your Name.

Per lui era quasi una figura di riferimento nel campo delle scenografie animate, e la loro collaborazione fu fondamentale soprattutto nella costruzione degli spazi della casa di Keitaro.

Il film non si limita all’animazione tradizionale.

Include anche stop-motion e riprese speciali con approccio analogico, usate per arricchire la superficie visiva dell’opera.

Shinomiya ha spiegato che questa scelta nasce dal suo rapporto con i materiali.

Così come la pittura tradizionale accoglie pigmenti e sostanze di origine diversa, anche il film doveva poter combinare tecniche e consistenze differenti dentro un’unica immagine.

La sequenza in stop-motion della scena in cui Sentaro è ubriaco è stata realizzata da MIYU Production.

La regia di quella parte è stata affidata a Victor Haegelin.

Shinomiya ha raccontato che lavorare con un team francese, tra fuso orario e differenze linguistiche, fu complicato.

Proprio per questo però l’esperienza risultò stimolante, anche perché si trattava dell’unico momento del film in cui comparivano immagini non disegnate da lui.

Le scene subacquee e alcune esplosioni luminose dei fuochi d’artificio furono create da SUKIMAKI ANIMATION, guidato da Makiko Sukigara e Kohei Matsumura.

Il regista li aveva scoperti sui social e li aveva coinvolti perché sentiva una forte vicinanza di sensibilità.

Per quelle sequenze fu fissato un obiettivo molto chiaro: creare non cento minuti di meraviglia continua, ma pochi frammenti capaci di raggiungere la potenza visionaria di Fantasia.

Vennero così recuperate tecniche classiche come l’uso del vetro ondulato per simulare l’acqua e il calore.

Anche gli effetti di luce trasmessa, tipici dell’animazione su celluloide, sono stati ripensati in forma artigianale.

Sebbene oggi possano essere imitati digitalmente, Shinomiya riteneva che i procedimenti analogici avessero una forza visiva molto superiore.

Per il culmine delle scene dei fuochi d’artificio furono utilizzati anche materiali nati in un laboratorio pubblico tenuto dal regista durante Hiroshima Animation Season 2024.

I partecipanti realizzarono fogli bucati e dipinti astratti che, una volta elaborati, produssero bagliori e blu impossibili da ottenere in modo artificiale.

Secondo Shinomiya, l’errore della mano umana può diventare bellezza.

Ed è proprio quella piccola imperfezione a trasformarsi in emozione.

Per i due protagonisti furono scelti gli attori Riku Hagiwara e Kotone Furukawa, entrambi alla loro prima esperienza nel doppiaggio di un film animato.

Il regista cercava voci capaci di arrivare lontano, ma anche di suonare intime e rivolte direttamente allo spettatore.

Per entrambi il lavoro si rivelò più difficile del previsto.

L’adattamento al sincronismo, ai tempi rigidi delle battute e a una scrittura diversa da quella del cinema dal vivo richiese molto esercizio.

La prima giornata prevista per la registrazione venne trasformata quasi interamente in una sessione di prova.

Le incisioni definitive furono così rinviate a un altro giorno.

Hagiwara ha dichiarato di sentirsi vicino a Keitaro, soprattutto nella sua rabbia e nel suo smarrimento giovanile.

La difficoltà maggiore, però, fu interpretarne l’evoluzione dalla voce adolescenziale a quella adulta.

Furukawa ha descritto Kaoru come una ragazza combattuta tra due poli.

Da una parte c’è il sogno ostinato di Keitaro, dall’altra la stabilità incarnata da Sentaro.

Le sessioni di doppiaggio si svolsero molto presto nella produzione.

Molte scene esistevano ancora solo in forma abbozzata, e questo permise al team di intensificare poi l’animazione seguendo le sfumature emerse dalle voci.

La colonna sonora è firmata da Shuta Hasunuma.

Il suo contributo accompagna il film con un’impronta sonora moderna e atmosferica.

La canzone finale si intitola Aoba.

Testo e musica sono di imase, mentre l’arrangiamento è di Hasunuma.

La produzione voleva che i titoli di coda fossero affidati a un artista vicino all’età emotiva dei personaggi.

Per questo fu scelto imase.

Secondo Hasunuma, l’idea era quella di far proseguire il tono del film anche dopo la fine della storia.

La canzone non doveva spezzare l’atmosfera, ma accompagnare lo spettatore fuori dal racconto con la stessa delicatezza.

Imase ha spiegato di aver pensato a quel momento in cui, crescendo, si è costretti a lasciare andare alcune emozioni.

Per questo cercò di creare un brano in cui rimanesse una traccia di giovinezza, ma anche l’apertura verso un sé nuovo.

Al momento dell’uscita del film, imase era in pausa dalle attività pubbliche.

Il brano era però già stato completato prima della sospensione.

Nel aprile 2024 il progetto fu selezionato per l’Animation Day del Marché du Film al 77º Festival di Cannes, all’interno di una vetrina dedicata alle opere in lavorazione collegate al festival di Annecy.

In quell’occasione venne annunciata una distribuzione prevista inizialmente per il 2025.

Il 15 gennaio 2025 furono diffusi il primo teaser, l’immagine promozionale e il titolo definitivo locale del film.

Vennero svelati anche i nomi del cast principale.

Il 20 maggio 2025 fu comunicato un rinvio dell’uscita al 2026.

Successivamente, il 10 ottobre dello stesso anno, fu confermata la nuova data del 6 marzo 2026 con un nuovo teaser.

Il 18 febbraio 2026 il film ebbe la sua prima mondiale alla Berlinale, nella sezione competitiva ufficiale.

Alla proiezione parteciparono Shinomiya, Hagiwara e Irino.

Dal 28 febbraio al 15 marzo 2026, a Shibuya Parco, si tenne una mostra celebrativa dedicata al film e alle opere pittoriche di Shinomiya.

L’evento includeva anche esposizioni e sessioni di disegno dal vivo.

Il 6 marzo 2026 il film uscì in 106 sale del Giappone.

La distribuzione nazionale consolidò l’attenzione già raccolta nei festival.

Il critico di animazione Ryota Fujitsu ha osservato che il film racconta uno spazio e un tempo molto piccoli, quasi raccolti attorno a una sola giornata e a una casa in montagna.

Allo stesso tempo, però, dentro questa scala intima riesce a evocare secoli di storia e persino una dimensione cosmica.

Secondo Fujitsu, il vero nucleo drammatico riguarda soprattutto la chiusura di un conto aperto con l’infanzia, in particolare per Keitaro.

Ma questo scheletro narrativo viene rivestito da una straordinaria ampiezza temporale e simbolica.

Il critico cinematografico Shohei Chujo ha sottolineato l’interesse dei temi legati all’interramento del mare e ai mega-impianti solari.

Ha lodato anche la tecnica, in particolare i tratti e i colori che spesso oltrepassano i contorni consueti dell’animazione più codificata.

Per Chujo, il film suggerisce l’arrivo di una nuova ondata creativa nell’animazione successiva ai grandi nomi già affermati.

Ha inoltre interpretato il gesto dei protagonisti come una sorta di rivoluzione estetica, un tentativo di aprire una breccia nella società dominata dall’utilità pratica.

La critica Leslie Felperin di The Hollywood Reporter ha giudicato la sceneggiatura meno incisiva sul piano emotivo rispetto ad altri celebri film animati giapponesi.

Ha però elogiato con forza la qualità visionaria delle immagini e della musica, trovandole intensamente ipnotiche.

In una raccolta di brevi recensioni pubblicata da Cinema Today, il commentatore Kurei Hibiki ha lodato soprattutto la bellezza cromatica e sonora del film.

Ha comunque notato che la trama, a suo avviso, presenta elementi in parte familiari.

Anche il critico Naoto Mori ha apprezzato l’aspetto visivo.

Ha letto la corsa verso Shuhari come la preghiera di un artista che tenta di cambiare il mondo attraverso la creazione.

Hiroaki Saito, invece, ha riconosciuto il fascino delle inquadrature e del movimento di macchina, ma ha percepito la storia come molto compatta e i dialoghi come troppo controllati.

Per questo il coinvolgimento emotivo, secondo lui, rimane più trattenuto.

Colonna sonora

Il 4 marzo 2026 è stata pubblicata la colonna sonora ufficiale composta da Shuta Hasunuma.

L’edizione include anche la versione cinematografica del brano finale Aoba.

Romanzo

Il 28 dicembre 2025 è uscito un adattamento romanzato scritto da Minami Aoyama.

Il libro porta un sottotitolo che insiste sul legame tra il fuoco d’artificio leggendario e i due giorni miracolosi vissuti dai protagonisti.